Paris Electronic Week 26 PEW 26

Créer est une chose. En vivre décemment en est une autre.
Dans les musiques électroniques comme dans l’ensemble des industries culturelles, les femmes sont encore confrontées à des inégalités structurelles : écarts de rémunération, précarité, difficulté à négocier, manque de modèles, syndrome de l’imposteur… Ces réalités influencent souvent la manière dont elles évaluent leur travail et construisent leur activité professionnelle.

À partir de son expérience d’entrepreneure de dirigeante dans l’industrie musicale, Gwenaëlle Kerboul propose un atelier pragmatique pour donner à chacune les outils nécessaires afin de transformer son activité créative en un projet économique solide.

L’objectif n’est pas de parler d’inspiration artistique, mais d’argent, de stratégie et d’autonomie.
➡️ comprendre le contexte : identifier les mécanismes qui produisent les inégalités, déconstruire les déterminismes, sortir de la peur du manque et apprendre à poser ses limites.
➡️ construire un cadre professionnel : choisir le statut juridique adapté, connaître les obligations essentielles et éviter les erreurs les plus fréquentes.
➡️ reconnaître sa valeur : identifier ses compétences, assumer son expertise et construire un positionnement cohérent.
➡️ savoir fixer ses prix : calculer ses coûts, déterminer une rémunération juste, préparer et mener une négociation.
➡️ piloter son activité : découvrir des outils simples pour suivre ses revenus, anticiper sa trésorerie et prendre de meilleures décisions.
➡️ aller plus loin : repartir avec une sélection de ressources, podcasts, livres, formations et outils pour poursuivre son développement.

Cet atelier s’adresse aux artistes, DJ, productrices, manageuses, entrepreneures culturelles et à toutes celles qui souhaitent reprendre le pouvoir sur leur trajectoire professionnelle.
Parce que l’indépendance économique n’est pas un luxe : c’est une condition de la liberté d’entreprendre.

MZA est une DJ et productrice française basée à Paris, développant une techno intense qui brouille les frontières entre les genres. Issue d’une formation en ingénierie du son, elle mêle rythmes rapides et percussifs, textures atmosphériques et influences trance, ambient et bass music.

Cette recherche autour de la matière sonore et de ses multiples transformations est au cœur de sa pratique artistique. À travers cette masterclass, elle propose de partager son approche expérimentale de la production et de montrer comment il est possible de transformer n’importe quelle matière sonore (field recordings, samples ou loops) en textures organiques, rythmiques et évolutives. Selon la manière dont elles sont travaillées, ces textures peuvent enrichir l’arrière-plan d’un morceau techno, construire une introduction ou devenir l’élément central d’une pièce ambient.

Elle explorera notamment les outils de synthèse et d’effets granulaires, différents effets créatifs, ainsi qu’une approche fondée sur l’aléatoire, l’expérimentation et les « happy accidents ».

Productrice et DJ basée à Londres, Carré s’impose comme l’une des voix les plus excitantes de la nouvelle génération dubstep. Entre respect des fondations du genre et expérimentations plus futuristes, son travail explore sans cesse de nouvelles façons de déconstruire et transformer les sons.

Pour cette masterclass, Carré partagera son approche du remix et du bootleg : comment réinterpréter un morceau, s’approprier une idée existante et créer quelque chose de nouveau, entre intuition, technique et liberté créative.

Sentimentale Vacarme est un laboratoire d’expérimentation sonore en mixité choisie pour femmes et minorités des genres. C'est un espace de création qui donne aux personnes les moins représenté.es un espace sur scène pour tenter, oser les fausses notes, faire des erreurs, chercher et surtout s’amuser. Les instruments acoustiques et électroniques s'y accordent avec sensibilité en croisant des pratiques autodidactes et institutionnelles. L'écoute bienveillante est ouverte à toustes.

À l'occasion de la Paris Electronic Week, Sentimentale Vacarme propose une session spéciale machines, de 18h30 à 21h30, sur inscription uniquement.
Des petits groupes de 4 à 5 participant.es se succéderont pour 3 sessions de 40 minutes de création collective. Chaque participant.e est invité.e à venir avec ses machines, synthétiseurs, boîtes à rythmes, instruments ou tout autre matériel de création sonore, afin d'expérimenter, improviser et composer ensemble.

En amont de l'événement, un temps de rencontre et de discussion est prévu afin d'expérimenter dans les meilleures conditions.

Participation par e-mail en précisant le matériel que vous souhaitez apporter ainsi que vos envies : sentimentalevacarme@gmail.com

♥︎♫ ♥︎♫ ♥︎ ♫ Accès à l'évènement ouvert à toustes ♥︎ ♫ ♥︎ ♫ ♥ ♫︎

On entend souvent parler de la place des femmes dans les musiques électroniques et de la nécessité d’une meilleure représentation. Si la question de la parité semble être un enjeu largement intégré, y compris au-delà des cercles militants, la représentation ne doit pourtant pas se limiter à la seule question du genre.

Adopter une vision universaliste de la lutte féministe, c’est-à-dire considérer la lutte comme un bloc monolithique dans lequel toutes les pratiques et les positionnements seraient les mêmes pour tous·tes, revient à faire abstraction des rapports de pouvoir qui s’appliquent dans la société. On peut se considérer comme féministe et lutter pour une meilleure représentation des femmes, tout en participant à des dynamiques d’oppression.
La lutte se veut réellement émancipatrice du moment qu’elle prend en compte les rapports de classe, la situation migratoire, l’héritage colonial et les multiples réalités qui déterminent nos trajectoires.

La question qui doit se poser est celle des barrières invisibles qui conditionnent l’accès à la pratique, à la professionnalisation et à la visibilité d’un projet artistique. Qui peut se lancer dans une carrière qui comporte des risques financiers importants ? Qui peut s’équiper en matériel, accéder à des formations ou bénéficier d’un réseau qui ouvre des portes ? Quels sont les moyens d’accès à la scène lorsque l’on ne vit pas dans une grande ville ? Sans compter l’ensemble des discriminations qui traversent également nos milieux : racisme, LGBTQIA+phobies, validisme et bien d’autres…

C’est ici que l’intersectionnalité prend tout son sens. Penser une scène réellement inclusive, c’est reconnaître que les discriminations ne s’additionnent pas, elles se croisent et produisent des réalités différentes selon chacun·e. C’est donc ces rapports de domination qu’il est essentiel de combattre pour lutter concrètement contre les inégalités qui traversent nos scènes.

Les festivals sont en première ligne face aux risques climatiques : annulations pour orage, canicule ou incendie ; conditions d'assurance de plus en plus restrictives face à des aléas devenus difficiles à anticiper ; et des événements culturels considérés comme activités « non essentielles » en temps de crise. L'été 2026 en a offert une triste démonstration : Dubcamp, Garorock, Solidays, ATOM, ... Nombre de festivals ont été annulés, parfois à quelques heures de leur ouverture.

Ce choc climatique percute un secteur qui pèse pourtant lourd, 5,8 milliards d'euros de retombées économiques et 200 000 emplois en 2025, mais déjà fragilisé structurellement : 79% des festivals déclarent avoir rencontré des difficultés lors de l'édition 2025, les difficultés financières arrivant largement en tête, et un tiers des répondants signalent une hausse de leurs frais d'assurance. Cette fragilité s'inscrit dans la durée : 48% des festivals étaient déjà déficitaires à l'issue de la saison 2024, dans un contexte de baisse du pouvoir d'achat, de hausse des coûts de production, de changement des habitudes de consommation, sur fond de montée de l'extrême droite et de coupes budgétaires, notamment une réduction des aides publiques, en particulier régionales.

Dans ce contexte, comment anticiper le futur des festivals, ces espaces communautaires éphémères qui offrent pourtant une fenêtre vers d'autres possibilités de penser et de faire société ? Comment bâtir leur résilience logistique, financière, humaine, tout en agissant pour réduire leur empreinte carbone ?

Consommation d'alcool en baisse chez les jeunes, fréquentation des clubs et festivals en recul, augmentation des coûts de production : la scène live électronique européenne traverse une crise économique structurelle qui oblige à repenser en profondeur le modèle économique de ces événements. Face à des publics dont les habitudes de sortie et le pouvoir d'achat évoluent, les pratiques qui ont fait la réussite des lieux et festivals jusqu’à maintenant montrent aujourd'hui leurs limites.

Cette contrainte peut aussi devenir une opportunité, celle de transformer nos espaces festifs pour mieux répondre aux enjeux actuels : plus de diversité sur les line-ups et dans le public, des espaces plus safes et bienveillants, une billetterie en phase avec le pouvoir d'achat réel de nos publics. Au-delà des seuls enjeux de remplissage, la refonte d’une stratégie de billetterie peut apporter une réflexion plus générale sur qui vient, pourquoi, et à quelles conditions.

Plusieurs clubs et festivals européens apportent déjà des réponses concrètes en ce sens : abonnements mensuels mutualisés entre plusieurs lieux voisins, gratuité ou tarification solidaire et progressive, possibilité d'apporter son propre alcool, programmations secrètes ou surprise, jauges repensées, horaires adaptés aux nouveaux rythmes de sortie... Autant d'approches qui visent à relancer la fréquentation sans compromettre les valeurs portées par les organisations, et qui redessinent une économie plus résiliente et plus inclusive pour nos scènes locales.

La vie nocturne a, depuis toujours, été un espace de création, de rencontres et de circulation artistique. C’est d'ailleurs sa capacité d’accueil et sa volonté de représenter une diversité d'expression et d'identités qui en font sa richesse culturelle et sociale. Pour nombre de ses acteur·rices issu·es de parcours migratoires, ce sont ces scènes qui constituent des premiers espaces d’intégrations, de rencontres et d’opportunités professionnelles.

Mais sous l’apparente volonté de diversité encouragée par la diplomatie culturelle, la mobilité internationale des artistes et autres acteur·rices de la scène est de plus en plus entravée.
Au-delà des complexités d'obtention des titres de séjour, dont l’État a prévu d’augmenter le coût de 50 %, les artistes et technicien·nes déplacé·es font aussi face à des difficultés majeures de régularisation. La tribune « Ne Suspendons pas la vie des artistes étrangers », publiée il y a plusieurs semaines, fait état des conséquences des retards administratifs : radiation de France Travail, gel des indemnités de l'intermittence du spectacle et incapacité d'exercer leur profession dans un cadre légal. Une angoisse amplifiée par le stress, la précarité, les loyers impayés ou encore la peur des contrôles policiers...

Comment expliquer ces abandons administratifs et l’absence de coordination entre les institutions ? Comment porter une voix collective pour visibiliser cette réalité et exiger des conditions dignes pour les travailleur·euses déplacé·es ?

A recent report "EU perspective on slow-touring in a fast-paced industry" by Courts Circuits and VibeLab finds that sustainable touring, when built around regional anchoring, cooperative networks, and artist well-being, does not require artists to sacrifice their careers. In fact, it may help ease the financial precarity that so often leads to artist burnout.

But how ?

After a brief presentation of the report findings, this session will open a collective discussion to figure out how and what can be done to lay the ground for slow touring uptake's across the industry, considering also how this model could go beyond simply preserving equity to actively fostering it : for mid-career artists, those wishing to start a family, neurodivergent artists, artists with mobility restrictions, and non-EU artists limited by visa constraints, etc.

Au-delà de leur pouvoir fédérateur, les festivals et événements urbains ont un impact économique réel sur le développement des métropoles : des centaines de milliers d'emplois mobilisés, des retombées pour les prestataires et producteur·ices locaux·ales, des flux touristiques renouvelés chaque année, et une empreinte durable sur l'image d'une ville.

Cette influence économique leur confère de fait un rôle politique et culturel.

Choisir des artistes, mettre en lumière des scènes, réunir des communautés, créer des espaces de dialogue : la programmation façonne durablement le développement de la scène locale et participe à la construction d'une identité territoriale forte.

Cette empreinte culturelle se renforce dans la capacité d'un festival à faire cité. Un club, une salle de concert, un espace public ou un bâtiment patrimonial peuvent devenir des lieux de création, de recherche et de rencontre. Installations sonores, performances, parcours, ateliers ou projets participatifs : autant de formats qui font émerger de nouveaux usages et transforment notre manière d'habiter et de percevoir la ville.

L'attractivité d'un territoire, en plus de dynamiser les scènes locales et d'attirer de nouveaux·elles acteur·rices culturel·les, devient une porte d'entrée pour favoriser un dialogue avec les pouvoirs publics : autour de la vie nocturne, de l’accès aux espaces ou du soutien aux écosystèmes indépendants. Les festivals participent non seulement à la reconnaissance d'une culture, mais aussi aux conditions politiques et matérielles de son existence.

Alors, comment cette construction d'un héritage culturel vivant s'opère-t-elle concrètement ? Quelle place les festivals occupent-ils dans la mémoire d'une ville ? Et comment le soutien politique peut-il accompagner leur action dans la durée ?

Cet état des lieux propose une première analyse des violences racistes vécues dans le secteur festif et musical en France hexagonale. Réalisé à partir d'entretiens menés auprès d'artistes, de technicien·nes, d'agent·es de sécurité, de membres de collectifs, de professionnel·les du secteur et du public d’événements, il donne à voir la diversité des expériences et des réalités de terrain.

En s'appuyant sur les récits des personnes concernées, il met en lumière les mécanismes qui structurent ces violences, les stratégies mises en œuvre pour y faire face et leurs effets sur les parcours professionnels et personnels.

Cette restitution a pour ambition de poser les bases d'une réflexion collective et d’encourager les échanges autour des leviers d'action permettant de prévenir et de combattre le racisme dans le secteur.

La cartographie des acteur·rices de la scène live en Europe, réalisée par le SMA, LiveDMA et le réseau Reset!, montre qu'en 2026 un petit nombre de groupes transnationaux contrôlent une grande partie des festivals de grande jauge et des arenas. Ces groupes génèrent certains des revenus les plus élevés du secteur et, selon leurs déclarations officielles, connaissent tous une forte croissance, alors que des milliers de petites salles ancrées localement et de petits festivals fonctionnent avec des moyens financiers plus modestes et dans des conditions plus précaires. Leur influence ne se limite d'ailleurs pas à la détention de capital : elle passe aussi par une position dominante dans certains domaines (programmation, billetterie, sponsoring) ou par une présence stratégique au sein de conseils d'administration.

Ces travaux mettent en lumière la structure oligopolistique du marché de la musique live. Une observation qui s'étend à la musique enregistrée, où quelques majors internationales concentrent l'essentiel du marché, au détriment d'un grand nombre de labels indépendants qui peinent à rentrer dans leurs frais.

Ce constat soulève plusieurs questions que ce panel se propose d'explorer : si la scène indépendante constitue un vivier d'artistes émergent·es et un terrain d'expérimentation pour les grandes entreprises, quelle responsabilité ces groupes ont-ils vis-à-vis d'elle ? Compte tenu de l'organisation actuelle du marché, peut-on se priver d'une collaboration avec ces acteurs sans pénaliser le développement de ses artistes et de ses collaborateur·ices ? Dans un contexte de baisse des subventions publiques, peut-on envisager, et si oui comment, des collaborations avec les multinationales sans compromettre ses valeurs et son indépendance ? Et à défaut, quelles formes d'organisation collective permettent aujourd'hui de soutenir et renforcer la scène indépendante ?

61% des jeunes DJs et producteur·ices estiment aujourd'hui que leur présence sur les réseaux sociaux compte davantage que leur talent musical (étude Pete Tong Academy). Loin d'être anodin, ce chiffre dit la place qu'occupent désormais les réseaux sociaux dans le développement d'un projet artistique.

Ces plateformes ont pu contribuer à une forme de démocratisation du métier d'artiste. Mais elles sont aujourd'hui devenues une condition d'existence artistique non négociable. À quel coût ?

Du côté du public, la prévalence des réseaux sociaux comme principal canal d'information et de découverte musicale transforme son rapport à la musique : la logique algorithmique, pensée pour maximiser l'engagement, tend à privilégier des contenus toujours plus courts et clivants, au détriment de la diversité et de la qualité.

À l'ère de l'économie de l'attention, l'injonction à produire toujours plus de contenu pour rester visible crée un stress supplémentaire pour les artistes, et une saturation cognitive pour le public. L'évolution constante des algorithmes exige une veille permanente : du temps et des compétences dont une majorité d'artistes ne dispose pas. Le manque de transparence de ces algorithmes pose par ailleurs question, au regard du positionnement politique de leurs dirigeants.

Comment trouver, alors, des canaux de découverte alternatifs, en dehors des mécaniques algorithmiques ? Réseaux de pairs, plateformes communautaires non soumises à un système de recommandation commercial, retour au disque et à la culture du digging, programmation événementielle comme espace de découverte, ou encore nouveaux formats éditoriaux portés par des médias indépendants : autant de leviers qui permettent de repenser la découverte musicale en dehors des seules mécaniques de plateforme.

Loin d’être un simple système de sonorisation, le soundsystem est au cœur d’une histoire d’une richesse rare. Née à la fin des années 40 dans les ghettos de Kingston, la culture soundsystem s’est développée dans un contexte culturel fort, au sein des classes populaires de l’île en quête de découvertes musicales. Ce phénomène s’est développé en réaction directe aux obstacles freinant l’accès de la working class à la création et à la diffusion de musique. Il s’est rapidement muté en un véritable laboratoire d’expérimentation artistique et un puissant facteur de cohésion communautaire, initialement affranchi de toute logique commerciale. Importé au Royaume-Uni par la “Windrush Generation”, cette culture est la matrice de nombreux genres musicaux tels le reggae et le dub, puis plus tard la jungle, le garage ou le dubstep.

Cette tradition vit actuellement un nouvel essor à travers le monde, qui s’accompagne d’une prolifération du nombre de soundsystems. Ce développement permet une valorisation de ce patrimoine artistique et culturel, et redessine les contours de l’espace festif auprès de nouveaux publics. Mais il est aujourd'hui impossible de fermer les yeux sur les enjeux de récupération marketing et mercantile qui infiltrent la culture soundsystem, entre “pop-up raves” et sponsorisation de marques. Diverses questions traversent ainsi la scène : la démocratisation du soundsystem s'accompagne-t-elle inévitablement de la dénaturation d’une pratique anticapitaliste ? Cette dynamique s’apparente-elle à une forme d’extractivisme culturel ? Comment rendre hommage à cette histoire sans trahir ses fondations ?

Pour beaucoup d’artistes et de professionnel·les des musiques électroniques, la question de la parentalité est loin d’être anodine.
Entre une charge de travail conséquente, les horaires décalés, le travail en week-end et les déplacements, concilier vie professionnelle et vie de famille relève parfois d’une mission impossible. Une réalité encore plus complexe pour celles et ceux qui ne bénéficient pas d’un entourage familial proche ou de moyens nécessaires pour envisager une garde d'enfants...
Au-delà de la pression exercée par le secteur, la question de la précarité touche également beaucoup d’acteur·rices du milieu : cumuler suffisamment d’heures pour conserver son statut intermittent, ou pour les indépendant·es, de maintenir une activité constante afin d’assurer ses revenus.

Dans ce contexte, devenir parent soulève inévitablement certaines questions : Comment envisager une vie de famille quand son métier impose une disponibilité permanente ? Peut-on développer sa carrière et concilier vie de famille ? Comment trouver un équilibre, à la fois financier, professionnel et personnel pour ne pas s'épuiser ?

Nos trois intervenant·es : Maxye et Paloma Colombe, toutes deux artistes, et Ruben Pariente, acteur actif de la scène, seront au micro pour échangeront autour de ces enjeux avec Laureline Teste, qui, à travers son expérience personnelle et professionnelle, ouvrira la réflexion sur les réalités de la parentalité dans le secteur des musiques électroniques.

Les musiques électroniques sont traversées par des circulations et des hybridations de différentes influences musicales. Si ces échanges peuvent être féconds et faire émerger de nouvelles formes artistiques, ils ne sont pourtant pas neutres. Ils s’inscrivent dans des rapports de pouvoir et des inégalités de reconnaissance, de visibilité et de redistribution de la valeur. Les musiques et cultures non occidentales semblent être bien trop souvent considérées comme des ressources disponibles, dont on peut extraire les sonorités, les esthétiques ou les pratiques sans reconnaître leur histoire ni les personnes qui les portent. Une logique qui contribue à invisibiliser des cultures et des identités, et qui prend la forme d’une spoliation aussi bien symbolique que matérielle.

Comment, dès lors, créer et faire circuler les musiques autrement ? Cette table ronde propose de partir de situations concrètes pour explorer des manières de programmer, composer, mixer et créer des espaces plus inclusifs et attentifs à ces rapports de pouvoir.

Pour les artistes : comment s’approprier, composer, sampler ou jouer des genres musicaux issus d’autres cultures avec justesse ? Pour les organisateur·ices et directeur·ices artistiques : comment construire des line-ups plus mixtes et diversifiés sans tomber dans la tokenisation ? Plus largement, comment favoriser l’hybridation et la circulation des cultures tout en reconnaissant leurs origines et les personnes qui les font vivre ?

Cette table ronde s’adresse aux professionnel·les des musiques électroniques qui souhaitent mieux cerner ces enjeux et faire évoluer leurs pratiques. Dans une démarche de transmission par des personnes concernées, les échanges laisseront une grande place aux questions, aux expériences et aux cas concrets, afin de partager des connaissances situées et des pistes directement applicables pour les artistes, les organisateur·ices et les lieux.

Dans un monde en crise, la quête de sens dans le travail est une aspiration de plus en plus fréquente : entre 2020 et 2023, un quart des jeunes a engagé une démarche de ré-orientation professionnelles (Cereq, 2025).*

Pourtant exercer un métier qui nous anime n’implique pas nécessairement de trouver un meilleur équilibre. La réalité derrière les coulisses est parfois moins rose. La passion peut aussi devenir un moteur qui pousse à accepter l’inacceptable : la surcharge de travail et les horaires en décalés, l’effacement des frontières entre vie professionnelle et vie personnelle sans compter un climat propice au stress, aux violences et à la précarité pour bon nombre de professionnelles et artistes dans les musiques électroniques.

L’étude CURA, réalisée en 2022 en donne un aperçu éclairant : 55 % des professionnel·les interrogé·es exercent plusieurs activités, 20 % travaillent plus de 50 heures par semaine et 83 % continuent à travailler lorsqu’ils sont malades. 38% des répondant.es gagnent moins de 1 302 euros par mois dont 18% qui se situe sous le seuil de pauvreté en France. 21% des répondantes déclarent également avoir été victimes d’une agression sexuelle dans le cadre pro.

Alors, comment est-il possible de trouver un équilibre professionnel sain, protéger sa santé et préserver sa passion ? Quels sont les outils et les enjeux structurels qui doivent être repensés pour prévenir les dommages que peuvent causer les risques psycho-sociaux d’une activité professionnelle dans notre secteur ?

*Il convient de situer cette quête de sens, qui vient souvent avec des privilèges : celui de pouvoir prendre le temps de trouver un sens à son implication professionnelle, parfois recommencer des études souvent payantes, et s'engager dans un processus de reconversion. Et de fait, elle concerne plutôt les jeunes issu·es de classes sociales favorisées).

Clubs, festivals et lieux de musique électronique restent traversés par des mécanismes d’exclusion qui limitent encore l’accès à la scène et aux espaces festifs des personnes en situation de handicap (visible ou invisible) ainsi que des artistes et professionnel·les concerné·es.
Au-delà des obstacles matériels, cette question révèle les angles morts d’un secteur encore marqué par le validisme, le manque de moyens et des représentations persistantes du handicap. Trop souvent, des publics, artistes et professionnel·les concerné·es renoncent à investir les espaces de la nuit et de la musique faute d’un environnement pensé pour elles·eux. Comment faire évoluer nos lieux pour que chacun·e puisse réellement y trouver sa place ? Quelles transformations concrètes imaginer : espaces calmes, accessibilité des parcours, formation des équipes, dispositifs de sensibilisation, adaptation des espaces de travail ou encore généralisation des coupes-files ?
Alors que des associations comme No Stage Without Us, T’Cap ou Quest’Handi œuvrent à faire évoluer les pratiques, la question du handicap reste encore trop peu identifiée et soutenue au sein du secteur, notamment en comparaison avec d’autres enjeux d’inclusion comme les VHSS ou la réduction des risques. Cette table ronde propose d’interroger nos représentations et nos responsabilités : qui peut réellement investir les espaces de la nuit et du spectacle vivant ?
Le handicap ne relève pas uniquement des individus, mais aussi des environnements que nous construisons, comment faire de nos espaces des lieux véritablement accessibles et accueillants pour tous·tes ?

La scène électronique se revendique volontiers progressiste avec des prises de position politiques devenues quasi omniprésentes. Sur les réseaux, dans les programmations comme dans les discours défendus par ses acteur·rices, le militantisme constitue une composante à part entière de l'identité de cette esthétique musicale. Mais qu’en est-il de la sincérité de ces engagements lorsqu’il deviennent des outils de communication et des marqueurs de « coolness » ?

Les réseaux sociaux accélèrent la mise en scène des prises de position. Être le·a première à réagir, afficher le bon discours pour se situer du bon coté de l’histoire : une forme d'injonction à la conformité qui traduit le militantisme en performance sociale où la visibilité de l’engagement prend le pas sur l’action concrète. Cette recherche de « pureté militante » efface d’une certaine façon, le travail politique de fond fait de contradictions, de remises en question et de transformations structurelles.

Les musiques électroniques en sont un parfait exemple. Revendiquer une transition écologique tout en développant des événements à grosses jauges et en dépendant largement du transport aérien. Afficher son soutien à certaines luttes tout en travaillant avec des structures ou des investisseurs dont les intérêts entrent en contradiction avec les combats qu’on défend. Parler d’inclusivité alors que les prix des événements en excluent de fait une partie du public. Défendre la diversité mais programmer des artistes comme des « tokens » sans une prise en compte plus profonde des mécanismes d'exclusion qui structurent la scène. Lutter contre les violences sexistes et sexuelles mais maintenir la programmation d'artistes qui font l'objet de signalements, au nom de l’absence de condamnation ou d’une prétendue méconnaissance des faits… Nombre d’exemples pourraient être cités.

Malgré cela, toute forme d’engagement ne doit pas être réduite à de l’opportunisme. Nombre de luttes traversent réellement les scènes électroniques et sont portées par des personnes et des collectifs qui accomplissent un travail essentiel. Mais elles invitent à interroger les conditions dans lesquelles cet engagement s’exerce : qui peut se permettre de militer, qui en tire une reconnaissance, qui en supporte les conséquences, et surtout, à qui profite cette esthétique du militantisme ?