Paris Electronic Week 26 PEW 26

​Que l'on soit sur scène, en régie, à la production ou la communication, faire vivre la musique électronique demande une énergie immense. Entre charge mentale, horaires décalés et transports répétés, les métiers du secteur sollicitent le corps et l'esprit à un rythme intense. Pour préserver son élan, sa santé et son plaisir de travailler, chacun.e a besoin d'alliés solides au quotidien.

​Cet atelier proposé par Sophie Vaudecrane (professeure de yoga et praticienne en hypnose) est une invitation à poser les bases d'une hygiène de vie épanouissante.
Ensemble, nous explorerons la synergie du mouvement, du souffle et de la méditation pour délier les tensions, retrouver un ancrage profond, réguler le système nerveux et développer la clarté mentale par des exercices simples et accessibles.

Il est recommandé aux participant.es de venir avec un tapis de yoga, une serviette de plage, de bain ou un grand tissu pour pouvoir s'allonger au sol confortablement.

Pour beaucoup d’artistes et de professionnel·les des musiques électroniques, la question de la parentalité est loin d’être anodine.
Entre une charge de travail conséquente, les horaires décalés, le travail en week-end et les déplacements, concilier vie professionnelle et vie de famille relève parfois d’une mission impossible. Une réalité encore plus complexe pour celles et ceux qui ne bénéficient pas d’un entourage familial proche ou de moyens nécessaires pour envisager une garde d'enfants...
Au-delà de la pression exercée par le secteur, la question de la précarité touche également beaucoup d’acteur·rices du milieu : cumuler suffisamment d’heures pour conserver son statut intermittent, ou pour les indépendant·es, de maintenir une activité constante afin d’assurer ses revenus.

Dans ce contexte, devenir parent soulève inévitablement certaines questions : Comment envisager une vie de famille quand son métier impose une disponibilité permanente ? Peut-on développer sa carrière et concilier vie de famille ? Comment trouver un équilibre, à la fois financier, professionnel et personnel pour ne pas s'épuiser ?

Nos trois intervenant·es : Maxye et Paloma Colombe, toutes deux artistes, et Ruben Pariente, acteur actif de la scène, seront au micro pour échangeront autour de ces enjeux avec Laureline Teste, qui, à travers son expérience personnelle et professionnelle, ouvrira la réflexion sur les réalités de la parentalité dans le secteur des musiques électroniques.

La croissance de la scène électronique européenne de ces dernières années masque une réalité plus contrastée : celle d'un secteur toujours plus centralisé, où une poignée d'acteurs, souvent de grands groupes privés internationaux concentrés dans quelques capitales et métropoles culturelles, captent une part croissante de la visibilité et des revenus, au détriment d'une majorité d'artistes et de professionnel·les de la scène indépendante, notamment en dehors des grands centres urbains.

Cette centralisation se double d'un isolement professionnel : en France, plus de la moitié des artistes et structures de musiques électroniques travaillent seul·es, en dehors des dispositifs d'accompagnement institutionnels et sans entourage professionnel. Au-delà des questions de santé mentale, cette solitude fragilise aussi durablement ces acteur·ices, souvent éloigné·es des réseaux d'information et de décision : méconnaissance des dispositifs de soutien financier, manque de ressources pour structurer son projet, absence d'accompagnement pour communiquer dans un monde où les réseaux sociaux sont devenus centraux. Autant de freins qui touchent en premier lieu les scènes locales, périphériques ou peu connectées aux grands pôles européens de la musique électronique.

Face à ces enjeux, WAVMAP propose un outil de mise en réseau, de coopération et de découverte pensé pour décentraliser l'accès à la visibilité et à l'information : il s'adresse aux artistes émergent·es européen·ne, où qu'iels se trouvent, ainsi qu'à l'ensemble des professionnel·les de la scène indépendante en Europe, en donnant à voir et à connecter des écosystèmes locaux trop souvent invisibilisés à l'échelle continentale.

Ce workshop propose de partir des difficultés identifiées pour imaginer collectivement des solutions, et les mettre en résonance avec les possibilités qu'offre WAVMAP pour une scène électronique européenne plus distribuée et plus équitable.

Ingénieure lumière depuis 6 ans, Laurie Laprade évolue dans le milieu de la musique actuelle, après être passée par le jazz, la musique contemporaine et le théâtre. Elle se consacre aujourd’hui à la création lumière, aux tournées et à l’accueil en salle.

Dans le cadre de la Paris Electronic Week, elle propose un atelier pratique de 3 heures consacré à l’initiation à la lumière de concert.

L’atelier permettra de découvrir les bases de la lumière, notamment les différents types de projecteurs, le protocole DMX et la lecture d’un plan de feux. Les participant·es pourront également s’initier à l’utilisation d’une console analogique et découvrir les bases de la grandMA2, à travers une approche concrète et pratique.

Initiation limitée à 10 personnes.

Drawbridge, producteur basé à Paris, résident chez Gimic Radio (Bruxelles) et Antenne 47 (Paris) proposera une initiation à la production niveau intermédiaire axée sur la bête noire de toustes : le syndrôme de la page blanche. Né entre les brumes de la forêt et les pulsations de la scène électronique, Drawbridge tisse une musique où textures profondes, rythmes envoûtants et éclats psychédéliques s’entrelacent, libre de toute contrainte de genre. Surnommé le druide, il façonne un monde sonore aux allures de rêve éveillé, entre clairière mystique et dancefloor secret, comme en témoignent ses 2 premiers EP et ses nombreux morceaux sortis sur des labels à travers l’Europe entière et joués à travers le monde. Ses sélections ne manquent jamais d’éclectisme et de psychédélisme de toute sorte.

L'initiation est limitée à 10 personnes.

À travers ce workshop interactif, Saku Sahara explorera le rôle essentiel de l'oreille dans la pratique du DJing, bien au-delà de la technique.

Comment développe-t-on son écoute au fil des années ? Pourquoi deux DJs n'entendent ils pas un morceau de la même manière ? Comment apprend-on à reconnaître des textures, des timbres ou des structures musicales ? Et que signifie réellement « avoir une bonne oreille » ?
En mêlant démonstrations sonores, échanges, références autour de l'écoute et retour d'expérience, cette masterclass proposera une réflexion sur la manière dont notre oreille influence nos choix artistiques, notre relation au dancefloor et notre identité musicale.

Enfin, une partie sera consacrée à la santé auditive et à l'importance de préserver cet outil indispensable, à travers un témoignage personnel et des pistes concrètes de prévention.

Sha Ru est un duo basé entre New York et Berlin qui développe une approche singulière à la croisée du spoken word et des musiques électroniques aux basses puissantes.

À travers leurs productions, Sha Ru construit des paysages sonores intenses, nourris par des récits de libération politique et queer. Leur univers prend toute son ampleur sur scène, où le duo propose des performances live hybrides et des DJ sets, mêlant création en direct, énergie club et expérimentation sonore.

Pour cette masterclass dédiée à la live production, le duo partagera son approche de la création musicale et de la performance. La rencontre abordera notamment les différentes étapes du processus créatif, ainsi que les différences entre produire un morceau de manière autonome et penser sa musique pour être adaptée, transformée et intégrée à un live set.

La masterclass permettra également d’explorer les liens entre composition, performance et improvisation, tout en abordant certains aspects plus techniques de la production live. Une occasion de découvrir comment une idée ou un morceau peut évoluer lorsqu’il passe du studio à la scène, et comment construire un live set cohérent, vivant et personnel.

Dans les profondeurs de l'histoire électronique, il existe une époque étrange où les styles circulaient librement, sans règles ni frontières. Un moment où les genres se croisaient avant même de se nommer. Entre plages, jungles et studios improvisés, des expérimentations naissaient et disparaissaient, dessinant peu à peu les contours d'une musique en devenir. C'est dans cette zone brumeuse qu'Esteban Desigual aime se perdre. Fondateur du label Trancemutations Records il mène également une recherche documentaire consacrée aux premières années de la trance à Goa, retraçant l'histoire d'un mouvement qui allait transformer durablement la musique électronique. Il s’est rendu sur place entre Janvier et Mars pour aller à la rencontre d’acteurices du mouvement. Son intervention revient sur sa démarche documentaire, son mode opératoire, et ses découvertes. Il vous partagera ses réflexions à travers des témoignages, extraits vidéos d’interview, archives, et extraits sonores pour mieux comprendre comment la Trance Psychédélique a pris racine à Goa. Une plongée à la fois intime et historique dans un mouvement souvent méconnu et dont les clichés lui collent à la peau.

L’histoire d’une personne chill qui voulait juste faire de la musique avec son ordinateur, et se retrouve avec des racks de contrôleurs midi. (Les fans de modulaire réclament son arrestation).

Pourquoi le mapping MIDI dans Ableton est-il si limité ? Pourquoi les contrôleurs dédiés à ce DAW sont toujours des matrices de pads ? Et doit-on vraiment se résigner à contrôler les devices d’une seule piste à la fois ?
Pour répondre à des besoins pourtant simples, mais que personne ne semblait vouloir résoudre, Simon Lahure (aka DJ Startup) a dû fabriquer son propre dispositif de contrôle d’Ableton Live. Résultat : deux encombrants racks des contrôleurs MIDI. un système pensé pour reproduire une version midi d’une console de mixage.

Ce workshop retrace le chemin subjectif d’un artiste enthousiaste, mais pas spécialement geek, qui a dû mettre les mains dans le cambouis pour obtenir un set up un peu absurde. Une occasion pour d’autres enthousiastes de tout savoir pour refaire la même chose (est‑ce vraiment une bonne idée ?) ou simplement de glaner quelques pistes pour avancer sur leur propre chemin.

Sieste ensemble est un collectif qui réunit programmation de musique contemplative, création lumière et vidéo, curation d’art contemporain et
scénographie. Chaque sieste propose un espace visuel, sonore et haptique, pensé pour permettre l’assoupissement comme un moment de vie, et créer une intimité paradoxalement partagée.
Cette édition - en collaboration avec la Paris Electronic Week - est pensée autour de la pluie et de ses effets visuels, sensoriels et affectifs.

Les musiques électroniques sont traversées par des circulations et des hybridations de différentes influences musicales. Si ces échanges peuvent être féconds et faire émerger de nouvelles formes artistiques, ils ne sont pourtant pas neutres. Ils s’inscrivent dans des rapports de pouvoir et des inégalités de reconnaissance, de visibilité et de redistribution de la valeur. Les musiques et cultures non occidentales semblent être bien trop souvent considérées comme des ressources disponibles, dont on peut extraire les sonorités, les esthétiques ou les pratiques sans reconnaître leur histoire ni les personnes qui les portent. Une logique qui contribue à invisibiliser des cultures et des identités, et qui prend la forme d’une spoliation aussi bien symbolique que matérielle.

Comment, dès lors, créer et faire circuler les musiques autrement ? Cette table ronde propose de partir de situations concrètes pour explorer des manières de programmer, composer, mixer et créer des espaces plus inclusifs et attentifs à ces rapports de pouvoir.

Pour les artistes : comment s’approprier, composer, sampler ou jouer des genres musicaux issus d’autres cultures avec justesse ? Pour les organisateur·ices et directeur·ices artistiques : comment construire des line-ups plus mixtes et diversifiés sans tomber dans la tokenisation ? Plus largement, comment favoriser l’hybridation et la circulation des cultures tout en reconnaissant leurs origines et les personnes qui les font vivre ?

Cette table ronde s’adresse aux professionnel·les des musiques électroniques qui souhaitent mieux cerner ces enjeux et faire évoluer leurs pratiques. Dans une démarche de transmission par des personnes concernées, les échanges laisseront une grande place aux questions, aux expériences et aux cas concrets, afin de partager des connaissances situées et des pistes directement applicables pour les artistes, les organisateur·ices et les lieux.

Dans un monde en crise, la quête de sens dans le travail est une aspiration de plus en plus fréquente : entre 2020 et 2023, un quart des jeunes a engagé une démarche de ré-orientation professionnelles (Cereq, 2025).*

Pourtant exercer un métier qui nous anime n’implique pas nécessairement de trouver un meilleur équilibre. La réalité derrière les coulisses est parfois moins rose. La passion peut aussi devenir un moteur qui pousse à accepter l’inacceptable : la surcharge de travail et les horaires en décalés, l’effacement des frontières entre vie professionnelle et vie personnelle sans compter un climat propice au stress, aux violences et à la précarité pour bon nombre de professionnelles et artistes dans les musiques électroniques.

L’étude CURA, réalisée en 2022 en donne un aperçu éclairant : 55 % des professionnel·les interrogé·es exercent plusieurs activités, 20 % travaillent plus de 50 heures par semaine et 83 % continuent à travailler lorsqu’ils sont malades. 38% des répondant.es gagnent moins de 1 302 euros par mois dont 18% qui se situe sous le seuil de pauvreté en France. 21% des répondantes déclarent également avoir été victimes d’une agression sexuelle dans le cadre pro.

Alors, comment est-il possible de trouver un équilibre professionnel sain, protéger sa santé et préserver sa passion ? Quels sont les outils et les enjeux structurels qui doivent être repensés pour prévenir les dommages que peuvent causer les risques psycho-sociaux d’une activité professionnelle dans notre secteur ?

*Il convient de situer cette quête de sens, qui vient souvent avec des privilèges : celui de pouvoir prendre le temps de trouver un sens à son implication professionnelle, parfois recommencer des études souvent payantes, et s'engager dans un processus de reconversion. Et de fait, elle concerne plutôt les jeunes issu·es de classes sociales favorisées).

Et si le festival n’était que le début ?

Et si un événement pouvait devenir le point de départ d’une communauté, d’un lieu partagé et d’un projet qui continue de vivre et de se développer tout au long de l’année ?

À travers l’expérience du P.U.S.H. Festival et de son lieu permanent, Osservatorio, nous explorerons comment celles et ceux qui participent à cette aventure peuvent transformer un rassemblement éphémère en un écosystème durable, fondé sur le partage de valeurs, d’idées, d’espaces et d’outils.

À une époque où les formes de vie collective et de lien entre les individus deviennent de plus en plus fragiles, comment une communauté peut-elle nous aider à faire perdurer les valeurs qui nous rassemblent ? Comment transformer l’énergie d’un festival en une dynamique qui continue de grandir et de faire vivre ces valeurs, bien au-delà de l’événement lui-même ?

Artiste sonore, compositrice et performeuse, Sara Persico développe une pratique à la croisée de la voix, de l’électronique analogique et du field recording. Dans son travail, elle explore la manière dont les sons d’un lieu peuvent être captés, transformés et réassemblés pour créer de nouvelles narrations.

Sa démarche accorde une attention particulière aux qualités acoustiques et physiques des espaces. Pour son album Sphaîra, sorti en 2025 sur Subtext Recordings, elle a notamment travaillé à partir d’enregistrements réalisés dans le Dome de Tripoli, une architecture monumentale inachevée conçue par Oscar Niemeyer. La réverbération du lieu, ses structures métalliques, les sons environnants et les résonances de sa voix sont devenus les matériaux d’une composition pensée comme une véritable exploration de l’espace.

Comment faire d’un lieu une matière musicale ? Comment révéler, à travers le son, les textures, les rythmes et les histoires qui nous entourent ?

À travers cette masterclass, Sara Persico partagera son approche de la création sonore : de la collecte de matières sonores à leur transformation par l’électronique, la voix, le sampling et la spatialisation. Une réflexion sur la manière dont un espace peut devenir un moteur créatif et comment une collection de sons peut progressivement se transformer en récit.

L’écologie sonore est une discipline multiple à l’interface entre arts et sciences. En portant notre attention sur l’écoute, elle nous invite à repenser les liens entre humain·es, non-humain·es et environnements. Au travers d’écoutes des environnements et du parcours de recherche-création d’Adèle de Baudouin, écoacousticien·ne, audio-naturaliste et compositeur·ice, ce workshop nous invite à aller à la rencontre de l’écologie sonore et à découvrir de nouvelles façons de transmettre des connaissances à la fois sensibles et scientifiques.
Ce workshop s’articule autour de plusieurs temps : des écoutes allant de la prise de son brute de terrain à la composition électroacoustique, la présentation d’un projet de recherche-création porté sur les environnements sonores (objectifs, méthodes, outils d'enregistrement mobilisés) et surtout des moments d’échanges pendant lesquels questionner nos rapports aux vies non-humain·es qui nous entourent.

Clubs, festivals et lieux de musique électronique restent traversés par des mécanismes d’exclusion qui limitent encore l’accès à la scène et aux espaces festifs des personnes en situation de handicap (visible ou invisible) ainsi que des artistes et professionnel·les concerné·es.
Au-delà des obstacles matériels, cette question révèle les angles morts d’un secteur encore marqué par le validisme, le manque de moyens et des représentations persistantes du handicap. Trop souvent, des publics, artistes et professionnel·les concerné·es renoncent à investir les espaces de la nuit et de la musique faute d’un environnement pensé pour elles·eux. Comment faire évoluer nos lieux pour que chacun·e puisse réellement y trouver sa place ? Quelles transformations concrètes imaginer : espaces calmes, accessibilité des parcours, formation des équipes, dispositifs de sensibilisation, adaptation des espaces de travail ou encore généralisation des coupes-files ?
Alors que des associations comme No Stage Without Us, T’Cap ou Quest’Handi œuvrent à faire évoluer les pratiques, la question du handicap reste encore trop peu identifiée et soutenue au sein du secteur, notamment en comparaison avec d’autres enjeux d’inclusion comme les VHSS ou la réduction des risques. Cette table ronde propose d’interroger nos représentations et nos responsabilités : qui peut réellement investir les espaces de la nuit et du spectacle vivant ?
Le handicap ne relève pas uniquement des individus, mais aussi des environnements que nous construisons, comment faire de nos espaces des lieux véritablement accessibles et accueillants pour tous·tes ?

Si le métier de manager est souvent perçu comme celui de « la main à tout faire », c'est parce qu'on l'assigne bien souvent à une multitude de casquettes, au point d'en rendre le rôle parfois flou, voire le réduire à un métier dont on peine à saisir l'utilité. De la gestion administrative aux questions juridiques, l’accompagnement sur la direction artistique ou encore la mise en réseau, le management requiert une polyvalence certaine. C'est un métier au carrefour des différents enjeux qui composent le développement d'une carrière. Mais au-delà des outils et des compétences, le travail d’un manager repose avant tout sur une mission essentielle : construire une relation de confiance avec l'artiste afin de comprendre sa vision, la représenter, la défendre et, parfois, la protéger auprès de ses partenaires. Ce workshop propose de revenir sur les fondamentaux du management, ses missions, ses limites et les réalités qui façonnent le quotidien de celles et ceux qui l'exercent.

L'émergence artistique reste l'un des angles morts de l'industrie des musiques électroniques. Un état des lieux de la scène réalisé par Technopol en 2022 révèle qu'une majorité d'artistes évoluent seul·es, sans structure ni accompagnement, livré·es à un système qui valorise la visibilité immédiate plus que la construction d'un parcours dans la durée.

Pour les artistes en voie de professionnalisation, la résidence au sein d'un collectif devient alors un espace de création, de performance et de mise en réseau pour structurer leur pratique et se développer artistiquement. Pour le collectif, l'accueil de résident·es ouvre aussi des opportunités pour diversifier sa programmation, s'ouvrir à de nouvelles scènes, ou apporter une nouvelle vision interne dans le fonctionnement de l'association. Loin d'être un simple outil de soutien, la résidence devient un espace où se dessinent les futures programmations et où se construit une relation de confiance durable entre artistes et collectif.

Concrètement, comment construire un tel dispositif ? Sur quels critères sélectionner les artistes accueilli·es : cohérence artistique, moment de carrière, besoins spécifiques ? Quels formats de résidence privilégier, et avec quels moyens ? Comment penser un programme de résidence en cohérence avec une vision artistique à moyen-terme ?

A l'occasion de ce workshop, Léo Viguier, co-directeur du collectif HORS-SOL, et leur artiste résidente Mars010C, aussi co-fondatrice du collectif WITH US, apporteront des pistes de réponses tirées de leur expérience personnelle de la résidence en collectif.